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martes, 24 de enero de 2012

Ελένη Καραΐνδρου. The Weeping Meadow. Theo Angelopoulos

Cómo no despedir al gran Theo Angelopoulos [hasta en griego —es decir, sin enterder ni media—, he examinado alguna de sus películas!]. The Weeping Meadow [Eleni, 2004] me lo reveló, además como un enorme poeta visual [perfectamente complementado con la música de Eleni Karaindrou] y, desde entonces, pasó a ser uno mis cineastas favoritos. Una gran pérdida.

lisi prada. 24 de enero de 2012

From: basmoustaferi. Vídeo Ελένη Καραΐνδρου - The Weeping Meadow. Theo Angelopoulos

Muere en un accidente el director de cine griego Theo Angelopoulos. Gregorio Belinchón
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P.D.: No es la primera vez que dedico un post a recordar sus fimmaciones pero veo que alguno de los links sugeridos están ya desactivados.

Trois Minutes. Theo Angelopoulos
Theo Angelopoulos. The Weeping Meadow
Greek: Zorba the Greek - Zorbas Dance From: v10la40r
αuριο. Theo Angelopoulos From: nobbyJP
The WM (2004) - Spyro's death and funeral. Θεόδωρου Αγγελόπουλου From: miscellus


From: doxparaxyst

Theo Angelopoulos on The Weeping Meadow - 1/3
Theo Angelopoulos on The Weeping Meadow - 2/3
Theo Angelopoulos on The Weeping Meadow - 3/3

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domingo, 15 de enero de 2012

Melancholia. Videoart Prologue

No puedo afirmar que me guste todo 'von Trier' pero hay que saber reconocer a los genios y la influencia que ha ejercido en los últimos años en la manera de filmar, es asombrosa y no sólo en el cine sino también en la publicidad, en la televisión, etc. ¿quién se atrevía antes de DOGME a mostrar un plano filmado sin trípode?

A Lars von Trier o se le ama o se le odia, no hay término medio y su última película es como mínimo impactante. Estructurada como una Ópera wagneriana, la poética visual de la Obertura se presenta como una pieza orquestal libre que precede a un drama desarrollado en dos actos. Sin duda conoce bien los síntomas de la fobia y la melancolía [según tengo entendido los sabe por propia experiencia, que siempre es la mejor forma de conocer las cosas] y si uno se deja imbuir y, descuidadamente, se mete en la película, notará esa espesura de la bilis y lo afilado de alguna otra sensación. Por último, ante la apoteosis final resultará inevitable una confrontación con el propio deseo [eso que puede llevar varios años de análisis] y, la verdad es que —sólo por eso— ya habrá merecido merecido la pena verla. 'Esto es cine de verdad' escuché decir en la butaca de atrás. Es cierto.

Entre las citas cultas que abundan en el film [Ophelia de Millais, Justine de Sade, El Bosco, Brueghel el Viejo...], rescato la magnífica cámara lenta ralentizada del Prólogo, donde encuentro [no sé si estaréis de acuerdo] un implícito homenaje [también presente en su anterior film] a Bill Viola, otro genio de la imagen, esta vez en el género del videoarte.

lisi prada. 15 de enero de 2012

From: TheGi0. Prelude. Vídeo: Melancholia. Music: Richard Wagner - Tristan and Isolde
From: nikitanikiforov. Vídeo: End. Меланхолия.

NOTA: si aún no has visto la película y piensas hacerlo, te recomiendo que no visualices antes ninguno de estos vídeos.
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Voto de castidad

Juro someterme a las siguientes reglas redactadas y confirmadas por DOGME 95:
1. Los rodajes tienen que llevarse a cabo en lugares naturales. No se puede decorar ni crear un "set". Si un artículo u objeto es necesario para el desarrollo de la historia, se debe buscar una localizacion donde estén los objetos necesarios.
2. El sonido no puede ser mezclado separadamente de las imágenes o viceversa (la música no debe ser usada, a menos que esta sea grabada en el mismo lugar donde la escena está siendo rodada).
3. Se rodará cámara en mano. Cualquier movimiento o inmovilidad debido a la mano está permitido. (La película no debe tener lugar donde esté la cámara, el rodaje debe tener lugar donde la película tiene lugar).
4. La película tiene que ser en colores. Luz especial o artificial no está permitida (si la luz no alcanza para rodar una determinada escena, ésta debe ser eliminada o, en rigor, se le puede enchufar un foco simple a la cámara).
5. Se prohíben los efectos ópticos y los filtros.
6. La película no puede tener una acción o desarrollo superficial (no pueden haber armas ni pueden ocurrir crímenes en la historia).
7. Se prohíbe la alineación temporal o espacial. (Esto es para corroborar que la película tiene lugar aquí y ahora).
8. No se aceptan películas de género.
9. El formato de la película debe ser de 35 mm.
10. El director no debe aparecer en los títulos de crédito.
Desde ahora en adelante prometo como director no ejercer ningún tipo de gusto personal. Ya no soy un artista. Desde ahora en adelante prometo no crear una "obra", ya que considero que el instante y el ahora son más importantes que todo el producto. Mi meta absoluta es forzar la verdad de mis personajes. Prometo hacerlo a toda costa dentro de mis posibilidades y a costa de cualquier buen gusto estético.
Es por ello que hago mi VOTO DE CASTIDAD

Copenhage, Lunes 13 de marzo de 1995. En nombre del DOGME 95.
Lars von Trier - Thomas Vinterberg

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sábado, 10 de diciembre de 2011

Cronenberg: Un método peligroso

Director: David Cronenberg.
Guionista: Christopher Hampton.
Fotografía. Peter Suschitzky.
Música: Howard Shore.
Intérpretes: André Hennicke, Keira Knightley, Mareike Carrière, Michael Fassbender, Mignon Remé, Sarah Gadon, Viggo Mortensen y Vincent Cassel.
Fecha de estreno: 25 / 11 / 2011.


Como podría esperarse, Cronenberg —con un excelente director de fotografía, ya habitual en sus últimas películas—, hace un retrato en el que los psicoanalistas son seres dominados por la perversión y el hedonismo.

Freud [encarnado por Mortensen], con un puro constantemente en su boca, se muestra como un narcisista megalómano obsesionado por el sexo [se evidencia que ni el director ni el guionista han leído sus obras con un mínimo de seriedad y se limitan a divulgar la idea más estereotipada de sus hallazgos]. La bellísima Knightley [la judeorusa Spielrein], hace gala de un histrionismo excesivo, valga la redundancia, por lo demás da gusto verla en su papel ¿no nos han educado a todas las mujeres para ser masoquistas?¿no es ese el eterno sueño masculino? Viggo Mortensen nos trae un Otto Gross [también de origen judío] degenerado, cocainómano, vividor y mujeriego impenitente. Y Carl Jung [Michael Fassbender] un sádico ario casado con una delicadísima millonaria [Sarah Gadon] que le mima mientras él da rienda suelta a sus previamente desconocidos impulsos inconscientes con su amante-paciente a la que logra curar [no se sabe si a base de análisis, de amor o de azotes] y a la que ayuda a convertirse en analista para afirmar 'La destrucción como causa del devenir'.

Al final del film, se nos da a leer cómo el dios judeocristiano castiga tales desmanes: Sigmund Freud muere en Londres de cáncer; Sabina Spielrein [primera mujer analista admitida en el círculo de la Wiener Psychoanalytische Vereinigung] es asesinada con su hija y otros judíos, en Rostov, por un Comando de las SS.; Otto Gross [ilustrado libertino admirador de Kafka, Nietzsche y Kropotkin, precursor de la antipsiquiatría y los movimientos contraculturales] muere en la pobreza [sólo faltaría que fuese el otro Otto, Rank, que muere en Nueva York el Día de la Expiación judía, "Komisch"]. Solamente Jung, el ario luterano viajero [de países y filosofías, es el único que intenta hacer confluir lo oculto y lo simbólico en sus teorías] , alcanza una muerte pacífica... ¿tal vez porque reconoce en voz alta su pecado? [le faltó contar, sin embargo, que en el instante en que falleció, un rayo partió el árbol en que solía descansar: hecho verídico].

Lo mejor, las interpretaciones, la recurrencia a los escenarios de origen [la casa de Freud, en Berggasse 19, el Café Central, el galvanómetro...] y, sobre todo, las titulaciones finales en las que el papel de la correspondencia, sacado de su contexto a partir de los encuadres parciales y con una macro espectacular, las convierte en una auténtica obra de arte: enorme fotógrafo, Suschitzky; sólo por eso merecería un Óscar.

En resumen, aunque bien documentada en muchos aspectos [desde el interés de Jung por la parapsicología hasta la veracidad de letra de Freud], no deja de ser una caricatura, eso sí, muy bien filmada, con buen ritmo narrativo y con garantizado éxito entre los profanos y banalizadores del psicoanálisis. Ahora bien, si Freud pudiera ver la película y examinar el trabajo tanto del director como del guionista, reforzaría de nuevo su ya antigua afirmación: 'todo neurótico desea ser un perverso'. Y añado otra en defensa de Sigmundo [no conozco en profundidad los otros retratados], su honestidad ética y deontológica —algo que ya no es fácil encontrar—, el respeto a una profesionalidad tal vez increíble porque no abunda en nuestros días y el valor de unas tesis que sostuvo pese a ser rechazadas por la mentalidad médica ortodoxa del momento y que han supuesto, entre otras muchas cosas, la desmitificación de la sexualidad [antes un tabú del que ni siquiera se podía hablar], la toma de conciencia sobre la idea de salud mental como un constructo [todos manifestamos algo de locura y 'lo mejor que nos puede pasar es ser sólo neuróticos'] y del inconsciente como eso que nos mueve al error y a la risa, evidenciando que no somos totalmente dueños de nosotros mismos y que lo que sí somos es, sobre todo, sujetos de deseo: 'la realidad supera la ficción' o quizá 'truth is stranger than fiction'.

lisi prada. 10 de Noviembre de 2012
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miércoles, 5 de octubre de 2011

'Desayuno con diamantes' cumple 50 años

Producida por Paramount Pictures, se estrenó el 5 de octubre de 1961. Director: Blake Edwards. Música: Henry Mancini. Adaptación guión: George Axelrod. Fotografía: Franz Planer. Reparto: Audrey Hepburn, George Peppard, Patricia Neal, Buddy Ebsen, Martin Balsam, Mickey Rooney, José Luis de Vilallonga, John McGiver

Vídeo: Moon river  From: mule17ct
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The original text in English

I am always drawn back to places where I have lived, the houses and their neighbourhoods. For instance, there is a brownstone in the East Seventies where, during the early years of the war, I had my first New York apartment. It was one room crowded with attic furniture, a sofa and fat chairs upholstered in that itchy, particular red velvet that one associates with hot days on a train. The walls were stucco, and a colour rather like tobacco-spit. Everywhere, in the bathroom too, there were prints of Roman ruins freckled brown with age. The single window looked out on a fire escape. Even so, my spirits heightened whenever I felt in my pocket the key to this apartment; with all its gloom, it still was a place of my own, the first, and my books were there, and jars of pencils to sharpen, everything I needed, so I felt, to become the writer I wanted to be.

Breakfast at Tiffany's [1958] by Truman Capote

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Translation into Spanish

Siempre me siento atraído por los lugares en donde he vivido, por las casas y los barrios. Por ejemplo, hay un edificio de roja piedra arenisca en la zona de la Setenta Este donde, durante los primeros años de la guerra, tuve mi primer apartamento neoyorquino. Era una sola habitación atestada de muebles de trastero, un sofá y unas obesas butacas tapizadas de ese especial y rasposo terciopelo rojo que solemos asociar a los trenes en día caluroso. Tenía las paredes estucadas, de un color tirando a esputo de tabaco mascado. Por todas partes, incluso en el baño, había grabados de ruinas romanas que el tiempo había salpicado de pardas manchas. La única ventana daba a la escalera de incendios. A pesar de estos inconvenientes, me embargaba una tremenda alegría cada vez que notaba en el bolsillo la llave de este apartamento; por muy sombrío que fuese, era, de todos modos, mi casa, mía y de nadie más, y la primera, y tenía allí mis libros, y botes llenos de lápices por afilar, todo cuanto necesitaba, o eso me parecía, para convertirme en el escritor que quería ser.

Desayuno en Tiffany's [1958] de Truman Capote
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sábado, 22 de mayo de 2010

Fenaquistiscopio. Praxinoscopio. Zoopraxiscopio

Fenaquistiscopio, del griego espectador ilusorio, juguete inventado por Joseph-Antoine Ferdinand Plateau para demostrar su teoría de la persistencia retiniana en 1829.

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From: hudav. Vídeo: William George Horner, 1834.
Zoótropo
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From: josebris. Vídeo: Émile Reynaud, 1877.
Praxinoscopio
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Zoopraxiscopio: creado por Eadweard Muybridge en 1879, un artefacto que fue importante en el desarrollo inicial de las películas cinematográficas, siendo anterior al cinematógrafo.

sábado, 15 de mayo de 2010

sábado, 24 de abril de 2010

Arrival of a Train at La Ciotat. Lumière

From: raphaeldpm Vídeo: Arrival of a Train at La Ciotat. The Lumière Brothers [1895]

Para salir corriendo, igual que mi abuela cuando vió venir de frente un toro desde la recién estrenada pantalla del televisor.
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jueves, 12 de noviembre de 2009

«Crepúsculo». «Luna Nueva», Palacio de Vista Alegre


Algunos llevan varios días acampados en los alrededores con sus sacos de dormir y manteniéndose a base de latas, bocadillos y comida basura para acudir a la segunda entrega de la saga «Crepúsculo». Vienen desde lejos, de toda la península. Hay multitud de jóvenes esperando entrar, por fin, hoy, al evento, dispuestos en colas kilométricas que se extienden por todas las calles contiguas. "Que se mueva", "que se mueva", corean los que están más alejados. Hay que dar un rodeo entrando por el Centro Comercial para atravesar algunos tramos, ahora cortados por un fuerte dispositivo policial.

Un derroche de entusiasmo y vitalidad se contagia desde la zona por la que entrarán los vampíricos héroes [Robert Pattinson, Kristen Stewart y Taylor Lautner]: allí se les aguarda con sus nombres tatuados en la piel y carteles hechos a mano, amorosamente hechos a mano. No hubo entradas para todos y hay quien aguarda un milagro de última hora o quien se conforma con mirar el espectáculo exterior [se han escuchado todo tipo de comentarios en estos días].


Pronto se ocultará el sol. Ya sólo faltan dos horas para que puedan ver -junto a las estrellas de Hollywood-, esa «Luna Nueva» que todos aguardan.

Espero que lo disfruten: la disposición que traen no puede ser mejor. De todas formas, se dice que la ideología que trasmite esta saga no es muy recomendable, averigue quien quiera la biografía de la autora de la novela, Stephenie Meyer.

lisi. Madrid, 12-11-09. 17h.

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Yo asistiré al concierto de los jueves [hoy es día de jóvenes: Concierto I del X Ciclo de Jóvenes Músicos, con obras de Cano, Rachmaninov, Rimmsky-Korsakov y Balakirev en el programa].

martes, 8 de septiembre de 2009

Mary Poppins. Fugaz

From: moviemker. Disney. Mary Poppins Recut Trailer.

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Acabo de asomarme a la ventana porque se reflejaban en los cristales unos fuegos artificiales, allá, a lo lejos, al Sudoeste (están ahora en su pleno apogeo, con la traca final, supongo que por las fiestas de la virgen de septiembre). Luego he girado la cabeza hacia la izquierda para poder mirar la luna -que coqueteaba con una nube, mientras empieza ya a decrecer- al tiempo que me acercaba a la nariz una ramita de jazmín que, de noche, huele aún más y mejor [soy así de cursi, que le vamos a hacer...] y, al hacerlo, he notado en el rostro un agradable vientecillo que soplaba desde allí, desde el Este, así que, inevitablemente, recordé aquella frase del Deshollinador "viento del Este, nube gris, dicen que viene lo que ha de venir", o algo así. A continuación, he subido la vista hacia ese planeta -que no es estrella porque no tilila-, Júpiter, supongo. Fue entonces cuando la vi: una enorme estrella fugaz. Nunca antes he visto una estrella fugaz desde mi ventana, en el pleno centro de Madrid, con toda la contaminación lumínica y tal ¿no parece imposible? Pues sí, una estrella fugaz. Y, bueno, he pedido un deseo... y, ya ves, hoy que conseguí apagar el ordenador antes que nunca, tuve que volver a enchufarlo para poder contártelo antes de irme a dormir.

lisi. 8 de septiembre de 2009 a las 12:12


This contains the musical piece "A Violent Attack" composed by Caine Davidson for the film 'An American Haunting,' "Stay Awake" written by Richard and Robert Sherman for Disney's 'Mary Poppins,' and stock sounds from iMovie. Clips filmed with a Penasonic MiniDV camera and edited on iMovie.

sábado, 5 de septiembre de 2009

Dublineses. Un film, un texto, un poema, una canción

"The dead", a film based on the same name story in the book "Dubliners" by James Joyce*, película confusamente titulada en nuestro país "Dublineses", como el libro de relatos del mismo título en el que James Joyce incluye "Los muertos", uno de los 15 textos que recoge.

From: jesusmiramon. Vídeo: John Huston. The Dead. Monólogo final.

El guión es bastante respetuoso con el texto original. Lo que no encontramos en él es el poema. Recuerdo que lo primero que hice al llegar del cine fue buscarlo en el libro, pero allí no estaba y -como tantas cosas que uno deja en el aire sin que les llegue su momento-, hasta ayer no volví a reintentarlo. Lo recita Mr Grace [un personaje que introduce el scriptwriter Tony Huston's], y constituye un excelente recurso para amplificar el sentido íntimo, romántico y trágico de aquella “lejana melodía”, una de las escenas más hermosas y mejor narradas en la película.

“Se quedó inmóvil en el zaguán sombrío, tratando de captar la canción que cantaba aquélla voz y escudriñando a su mujer. Había misterio y gracia en su pose, como si fuera ella el símbolo de algo. Se preguntó de qué podía ser símbolo una mujer de pie en una escalera oyendo una melodía lejana. Si fuera pintor la pintaría en esa misma posición. El sombrero de fieltro azul destacaría el bronce de su pelo recortado en la sombra, y los fragmentos oscuros de su traje pondrían las partes claras del relieve. Lejana melodía llamaría él al cuadro si fuera pintor.”

Ed. Alianza Editorial, pg. 200; traducción de Guillermo Cabrera Infante a partir del texto corregido por Robert Scholes, que reproduce con la mayor fidelidad la versión preferida por Joyce y sigue escrupulosamente su puntuación preferida [nota bene]


EL POEMA

From: cjeffboice. Vídeo: Recitation


Donal Og (Young Donald)

It is late last night the dog was speaking of you;
the snipe was speaking of you in her deep marsh.
It is you are the lonely bird through the woods;
and that you may be without a mate until you find me.

You promised me, and you said a lie to me,
that you would be before me where the sheep are flocked;
I gave a whistle and three hundred cries to you,
and I found nothing there but a bleating lamb.

You promised me a thing that was hard for you,
a ship of gold under a silver mast;
twelve towns with a market in all of them,
and a fine white court by the side of the sea.

You promised me a thing that is not possible,
that you would give me gloves of the skin of a fish;
that you would give me shoes of the skin of a bird;
and a suit of the dearest silk in Ireland.

When I go by myself to the Well of Loneliness,
I sit down and I go through my trouble;
when I see the world and do not see my boy,
he that has an amber shade in his hair.

It was on that Sunday I gave my love to you;
the Sunday that is last before Easter Sunday.
And myself on my knees reading the Passion;
and my two eyes giving love to you for ever.

My mother said to me not to be talking with you today,
or tomorrow, or on the Sunday;
it was a bad time she took for telling me that;
it was shutting the door after the house was robbed.

My heart is as black as the blackness of the sloe,
or as the black coal that is on the smith's forge;
or as the sole of a shoe left in white halls;
it was you that put that darkness over my life.

You have taken the east from me; you have taken the west from me;
you have taken what is before me and what is behind me;
you have taken the moon, you have taken the sun from me;
and my fear is great that you have taken God from me!

Donal Og (El joven Donal)

Anoche, muy tarde el perro hablaba de ti,
la agachadiza hablaba de ti en lo profundo de su pantano.
Eres el pájaro solitario que recorre los bosques
y quizás no tengas compañero hasta que me encuentres.

Me lo prometiste y mentiste
que estarías antes que yo donde se reúne el rebaño.
Te silbé y di trescientas voces,
y sólo hallé una oveja balando.

Me prometiste algo difícil para ti,
un barco de oro bajo un mástil de plata,
doce ciudades y un mercado en cada una de ellas,
y una hermosa senda blanca junto al mar.

Me prometiste algo que no es posible,
que me traerías guantes de piel de pez,
que me traerías zapatos de piel de ave
y un traje de la seda más rica de Irlanda.

Cuando voy por mi cuenta al Pozo de la soledad,
me siento y entro a través de mi problema;
cuando veo el mundo y no ver a mi chico,
el que tiene un tono de color ámbar en el pelo.

Fue ese domingo cuando te di mi amor;
el último domingo antes de Pascua.
Y yo, de rodillas, leía la Pasión;
y mis dos ojos te daban mi amor para siempre.

Mi madre me dijo que no hablara contigo,
ni hoy ni mañana, ni el domingo.
Escogió un mal momento para decírmelo,
fue como cerrar la puerta después de que la casa fuera robada.

Mi corazón está tan negro como la negrura de la endrina,
o como el carbón negro que está en la fragua;
o como la suela de un zapato izquierdo en salas blancas;
eras tú el que ponía esta oscuridad en mi vida

Me despojaste del este, me despojaste del oeste;
tomaste lo que está delante de mi y lo que está detrás de mí;
me quistaste la luna, me quitaste el sol
y mucho me temo, que me hayas arrebatado a Dios".

Anónimo irlandés, en Middle Irish, lengua irlandesa hablada entre el siglo X y el XII]. Tomado de William B. Yeats, "Ideas of Good and Evil". Anonymous. 8th Century Ireland, translated by Augusta Gregory.


LA CANCIÓN

From: Nabarniztarra. Vídeo: John Huston. Dublineses (The Dead, 1987). A traditional Irish song.


"The Lass of Aughrim"

If you'll be the lass of Aughrim
As I am taking you mean to be
Tell me the first token
That passed between you and me

O don't you remember
That night on yon lean hill
When we both met together
Which I am sorry now to tell

The rain falls on my yellow locks
And the dew it wets my skin;
My babe lies cold within my arms;
Lord Gregory, let me in

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To be continued
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Bonus track: El lamento de Deirdre

"The lions of the hil are gone, and I am left alone- alone-. dig the grave, both wide and deep. For I am sick, and fain would sleep. The falcons of the wood are flown, and I am left alone - alone- . Dig the grave both deep and wide. And let us slumber side by side. The dragoons of the rock are sleeping. Sleep that wakes not for our weeping. Dig the grave and make it ready, lay me on muy true Love´s body"

jueves, 11 de junio de 2009

Ten Minutes Older. Herz Frank

Ten Minutes Older. Herz Frank. From: treshuertasteodio

Ten minutes older "es un cortometraje de diez minutos dirigido por Herz Frank en 1978. Rodado en un único plano secuencia, y en una única toma, retrata los rostros de un niños que contemplan una obra de marionetas en la que se representa una lucha entre el bien y el mal. Su título hace referencia a uno de los niños, que experimenta, en diez minutos, todas las emociones que repetirá a lo largo de la vida: alegría, emoción, miedo, pena. Con sólo diez minutos de duración, está considerado uno de los momentos cumbre del cine documental.

Veinticuatro años después, siete directores rodaron la película homenaje al cortometraje de Frank, Ten Minutes Older, The Trumpet (2002). Las condiciones imponían que cada cortometraje sólo podía durar diez minutos, como en el corto original, tenía que tratar el tema del tiempo y debía aparecer un reloj al menos en una ocasión. Todos los pequeños filmes están conectados por el nombre del director a la manera de un ideograma japonés seguido de una imagen acuática que hace referencia a una meditación de Marco Aurelio sobre el flujo del tiempo, y un tema compuesto por Paul Englishby en el que domina un solo de trompeta.

Los directores participantes fueron Chen Kaige, Víctor Erice, Werner Herzog, Jim Jarmusch, Aki Kaurismäki, Spike Lee y Wim Wenders."

Ten Minutes Older: The Trumpet (trailer). From: mijinger

"La película tuvo una segunda parte titulada Ten minutes older: The cello, con la participación de Bernardo Bertolucci, Claire Denis, Mike Figgis, Jean-Luc Godard, Jiri Menzel, Michael Radford, Volker Schlöndorff e István Szabó."

sábado, 18 de abril de 2009

Rebelión en la granja. Orwell, Pink Floyd, Batchelor y Halas

Los animales de la granja Manor, alentados por el viejo cerdo Mayor*, que antes de morir explica a todos los animales su visión, llevan a cabo una revolución y crean sus propias reglas que escriben en una pared. Con el paso del tiempo, los cerdos, que se habían autoerigido como líderes por ser más inteligentes, poco a poco van adoptando todos los defectos del hombre por los cuales en su día iniciaron la revolución: empiezan a abusar de su poder y manipulan los mandamientos en su favor [...] sucesivamente van desapareciendo hasta que el único mandamiento que queda escrito es el séptimo, convenientemente modificado.

1. Todo lo que camine en dos piernas es un enemigo.
2. Todo lo que camine sobre cuatro patas o tenga alas es amigo.
3. Los animales no deben usar ropa.
4. Ningún animal debe dormir en una cama.
5. Ningún animal beberá alcohol.
6. Ningún animal matará a otro animal.
7. Todos los animales son iguales ... pero algunos son más iguales que otros.

* representa a Karl Marx, el cerdo Mínimus, al poeta Maiakovski y el burro Benjamin,a la clase intelectual, "consciente de las manipulaciones, no toman cartas en el asunto, limitándose a observar sin intervenir" ...


Rebelión en la granja, Animal Farm (1945, right OVER TYRANY ), dirigida por Joy Batchelor y John Halas, basada en novela de George Orwell, aunque "fiel al relato original del libro, sin embargo cambia el final" [...] Se trata de "una excelente fabula, con ciertos rasgos anarquistas, ya que una de las conclusiones que pueden sacarse es que mientras gobierne alguna raza de animales en particular..."

*
_ análisis de la obra en el blog Homo Homini Lupus

_ análisis de la obra en Patología del poder, José Salcedo.

_ texto gratis ebook en español

_ basado en la misma novela, el excelente trabajo de Pink Floyd, Animals (1977)

The full play of the Animals by Pink Floyd vinyl

jueves, 26 de marzo de 2009

Ona, de Pau Camarasa [Tinglado Films e Inicia Films]

Ona no es un corto, es una pequeña obra de arte. Desde el primer fotograma, nos deja cautivados en la sutileza, poesía visual y savoir faire de su creador.

Blanco y negro. Piedras; en una de ellas observamos un cuasimperceptible movimiento, un casi nada inmineral. Así comienza este retrato del deseo reflejado en la curvatura de unas livianas gotas de agua salada. Una fantasía de tacto húmedo, una curvatura, una montañosa cima coronada de carne alcanzable por los labios ¿reales? ¿imaginados?

Fragmentos, sugerencias, sugestiones..., un libro en el aire, un trozo de piel, los rostros, un rayo de luz filtrado por el océano, una masa gris de mar informe, dos gestos, ni una palabra. Conseguir decir lo indecible: toda una historia en diez minutos. Casi nada!

Me han parecido pocos aplausos para tan magnífico trabajo y, tras los créditos, comienzo a aplaudir de nuevo. El foro me acompaña en una segunda cosecha.

lisi.

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Canarias en corto. Cine Capitol, Madrid. 26-03-09

- ANTE TUS OJOS, de Aarón J. Melían (Pantalla Canaria). Un guión tierno y original
- EL CONTRATIEMPO, de David Cánovas (Free Run Producciones y Good News Televisión). Ingenioso
- ONA, de Pau Camarasa (Tinglado Films e Inicia Films). Magnífico
- SUEÑO FRONTERIZO, de David Delgado San Ginés (PMB Ediciones). Imaginativo, onírico, surreal
- DI ME QUE YO, de Mateo Gil (Platanutre, USER T38 y Forosonoro). Excelente, redondo, buenísimo
- NEGRITUD, de Patrick Bencomo (MGC - El Médano - Postvisión - Uzala). Interesante la idea, no tanto la realización.
- ALGO QUE APRENDER, de María Eugenia Arteaga (Digital 104). Atrevido

*

Gracias por invitarme, Lara, guapísima, me encantó ocupar tu butaca; habría sido estupendo que estuvieras allí. Enhorabuena por tu participación!

sábado, 21 de marzo de 2009

Cerezos en flor. Fugacidad

Título original: Kirschblüten - Hanami
Género: Drama
Director: Doris Dörrie
Intérpretes: Elmar Wepper, Hannelore Elsner, Aya Irizuki, Maximilian Brückner, Nadja Uhl, Felix Eitner, Floriane Daniel
Nacionalidad: Alemania, Francia - Año de producción: 2008
Duración: 127 m.
Estreno: 06/03/2009
Productora: Bayerischer Rundfunk (BR), Olga Film GmbH
Producción: Harald Kügler, Molly von Fürstenberg
Guionista: Doris Dörrie
Fotografia: Hanno Lentz
Distribuidora: Columbia Tristar Home Video
Calificación por edades: Pendiente por calificar

Ver trailer
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Hoy se celebra, en Japón.

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From: goear
Asadoya Yunta. Ryuichi Sakamoto. Beauty, 1990

martes, 3 de febrero de 2009

Francamente, querido..., hoy me siento Red

From: lagirl8 Lo que el viento se llevó - Escena final Rhett y Scarlett

Me importa un bledo

"I don't give a damn es una expresión no abiertamente grosera ni malsonante, pero desde luego impropia de un lenguaje educado. Ni lo sé ni me importa sería una traducción adecuada para I don't care, pero I don't give a damn es un registro más grosero. Alguna vez he leído que la auténtica frase final de Lo que el viento se llevó es me importa un carajo; son matices que cada persona puede ver de forma distinta, a mi personalmente me parece un tanto excesivo (me importa un carajo sería en inglés más bien I don't give a shit). En una película actual se diría me la suda o me la trae floja; naturalmente estamos hablando de una película estrenada en España en 1950, cuando esas expresiones seguramente no existían, pero algo del tipo me la trae al fresco, o me trae sin cuidado habría sido más próximo a la impertinencia de la frase original que el excesivamente formal ni lo sé ni me importa."

From: Switch Off And Let's Go

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Crédito: 0.000.000.000.000. Cuando dejas de creer en alguien, la pérdida de confianza es definitiva, la vuelta atrás, el amor, la amistad... son ya imposibles.

jueves, 11 de septiembre de 2008

Cartas de una Desconocida

Carta de una Desconocida, Max Ophüls (1948)

Sinopsis: Viena, 1900. Stefan Brand, un famoso pianista, recibe una carta de una mujer con la que estuvo, tiempo atras, íntimamente ligado y a la que ya casi no recuerda. Lisa es para él una desconocida; algo que no ha dejado huella.

Y, sin embargo, Lisa sí es el recuerdo y la nostalgia de aquel joven músico que conoció cuando ella era todavia una adolescente y del que fue una acompañante circunstancial, muy pronto marginada cuando llegaron los éxitos. (FILMAFFINITY)

Crítica from: manulynk

Basada en una novela de de Stefan Zweig, el film ambientado en Viena es un larguísimo flash-back en el que el tan famoso como frívolo pianista Stefan Brand (Louis Jourdan), lee una carta antes de huir para evitar un duelo. Dicha carta cambiará totalmente su visión de las cosas. El realizador Max Ophüls, realizó, con esta trama, una deliciosa película, con un trasfondo de melodrama, pero que captura al espectador igual que al protagonista cuando lee las primeras líneas de la carta («Cuando leas esta carta, puede que haya muerto...Si esta carta llega a tus manos, sabrás como fui tuya sin que tú siquiera supieses que existía.»). Como decía, toda la película es un largo flash-back contado desde el punto de vista de Lisa (estupenda Joan Fontaine), la cual, fiel a sí misma renuncia a todo por seguir a su corazón, todo lo contrario que Stefan, el cual, como buen exponente de la burguesía, se aferra al triunfo social por encima de todo, su corazón incluido, quedando totalmente vacío por dentro. Ophüls retrata a la perfección a los dos personajes principales, lo que permite al espectador en todo momento comprender las motivaciones que mueven a ambos, y de paso consigue que tanto el personaje de Lisa como el de Stefan inspiren una profunda pena pero por motivaciones diferentes. Una por su pasión desenfrenada y los pocos resultados y el otro por la vida tan vacía e infeliz que lleva, ignorando totalmente a la mujer que le hubiera hecho feliz. Todo esto enmarcado en una puesta en escena perfectamente estudiada, con una atmósfera de ensoñación, y una perfecta banda sonora que ilustran perfectamente los sentimientos interiores de los protagonistas. Sin lugar a dudas, una de las mejores películas románticas jamás rodadas nunca.

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Carta de una mujer desconocida, Xu Jinglei (2004)

Es una versión actual del director Xu Jing Lei, de una película del año 1948 del director Max Ophlus con los protagonista Joan Fontaine y Louis Jourdan. Ambas películas se basan en la excepcional novela de Stefan Zweig. Esta primera versión siempre me había cautivado y cuando vi que había hecho un remake ,me dije que tenía que verla.Que si era tan buena como la primera, no podría perdérmela.


Crítica from: Reichelvm. Te amo, te adoro pero no me conoces

"Es una película bellísima en decorados, en personajes con un profundo trasfondo y un argumento conmovedor.
La trama trascurrenen Pekin en 1948.Un hombre de mediana edad llega a su casa y lee un carta que acaba de recibir.
Se trata de una carta de una mujer que no se identifica,no la conoce y le cuenta su historia.
¿Qué historia?
Una chica, una niña de unos doce años vive con su madre.Es huérfana de padre.
Un día llega un nuevo vecino que cambiará su existencia.El vecino no es otro que él lector y destinatario de la carta.
Esta niña se conmueve porque descubre nuevos sentimientos cuando se enamora de este hombre, un escritor bastante mujeriego.

Sin desvelar más cosas del argumento decir que es una película que desde el principio está la voz en off de la protagonista que cuenta su historia.
En ella vemos como un chica pasa a ser mujer y sigue enamorada o mejor dicho obsesionada con ese vecino,con ese hombre que le ha cambiado la vida.
Es una historia dura,sentimental y que te ha ce pensar.¿ cómo esa chica se enamora locamente de alguien que no conoce?
Eso es algo común cuando eres adolescente, te fijas en alguien de tu clase, en un conocido....no le conoces pero sueñas con él,pero eso se pasa pero a ella no.Crece,se muda pasan cinco años y sigue moviendo su vida alrededor de esa persona ,que no sabe que existe.
Ella logra conocerlo y tener una relación con él,pero no será duradera porque ese hombre porque vive los vientos ella, no es un hombre de una sóla mujer.

Es una historia como digo,bellísima pero muy dura.Como un hombre no sabe apreciar el verdadero amor que le ofrece una chica a la que conoce un día y después de varios días de pasión,no vuelve a ver.Ese hombre prefiere un tipo de vida distinta,o eso cree él.
Luego está la idea de ¿ en que se basa ese amor profundo de la chica? es de verdad amor, obesión,jeje como dice la canción veraniega.¿Qué es en realidad?
Eso teneís que juzgarlo vosotros.

En cuanto a la narración de la película, decir que está basicamente compuesta de silencios.
No hay muchos diálogos en las escenas porque en casi todas se entiende perfectamente lo que acaece por la buena interpretación de sus actores y por la voz en off que nos narra los pensamientos más íntimos de esa chica que sufría en silencio.
Por eso digo que puede llegar a cansar,porque pasan minutos donde no se oye nada sólo se ve como van pasando las escenas unas tras otra,y no se oye nada.
A mi en particular no me cansó nada,me atrajo un montón y puedo decir que te entretiene muchísimo.
Además,vemos costumbres,formas de vestir,paisajes orientales.
La recomiendo muchísimo. No os arrepentiréis."

viernes, 29 de agosto de 2008

Blade Runner. Lágrimas en la Lluvia

From: Biochips1 Blade Runner. Ridley Scott. 1982. TEARS IN RAIN [Hi-Res Video]

"—Quite an experience to live in fear, isn't it? That's what it is to be a slave."

"I've seen things you people wouldn't believe.
Attack ships on fire off the shoulder of Orion.
I watched C-beams glitter in the dark near the Tannhauser gate.
All those moments will be lost in time, like tears in rain.
Time to die."

*

Basada en la novela de Philip K. Dick ¿Sueñan los androides con ovejas eléctricas? (1968), Blade Runner no sólo es un clásico de la ciencia ficción, es una película visionaria, una reflexión filosófica y ética acerca de los grandes temas humanos, la vida y la muerte, el amor, el futuro de la humanidad, de la tecnología, de la naturaleza... Os habéis fijado en que todas las tiendas y puestos de venta en ese ambiente decadente de la lluvia ácida están regentadas por chinos?

En Youtube pueden encontrarse numerosas versiones de la escena "Lágrimas en la Lluvia", pero la mayoría de ellas prescinde del asombroso salto sobrehumano hacia el tejado del edificio de enfrente y de una frase del replicante mirando fijamente al protagonista
(sus cuatro años de vida están tocando su fin) que me parece fundamental para explicarnos porqué después de la encarnizada pelea a vida o muerte entre los dos héroes [Deckard (Harrison Ford) y Roy Batty (Rutger Hauer)], cuando Deckard apenas puede sostenerse con los dedos ensangrentados aferrados a la resbaladiza viga de hierro y en el momento en que ya se desprende de la viga hacia el suelo, Roy le salva la vida, lo sujeta por la muñeca, lo levanta con un brazo hasta dejarlo a salvo en la terraza, se sienta y con una paloma en la mano comienza a pronunciar esas palabras que han quedado esculpidas en la memoria cinematográfica:

"Yo he visto cosas que vosotros no creeríais.
Atacar naves en llamas más allá de Orión.
He visto Rayos-C brillar en la oscuridad cerca de la Puerta de Tannhäuser.
Todos esos momentos se perderán en el tiempo como lágrimas en la lluvia.
Es hora de morir."

Despliega su vuelo la paloma que sujetaba en su mano y Deckard lo sigue contemplando en silencio. Galf (el poli aficionado a los origamis) le sacará de lo absorto de sus pensamientos tirándole un arma y diciéndole mientras se aleja "Lástima que ella no pueda vivir, pero ¿quién vive?".

Y bien, desde mi punto de vista, la frase clave es ésta:

"—Es toda una experiencia vivir con miedo, ¿verdad? Eso es lo que significa ser esclavo."

Y ¿porqué? Volvemos a la dialéctica héroe-esclavo, de la que ya hemos dialogado otras veces (también en su otra variante amo-esclavo, que no es aquí el caso). Roy necesita dejar su testamento, la grandeza de lo que ha visto y que nadie creería. Necesita un testigo y esa herencia sólo puede dejársela a alguien que esté a su altura, alguien como él, alguien capaz de luchar y jugárselo todo hasta el final, que no tenga miedo -como Deckard le ha demostrado-, alguien que no sea un esclavo.

Es una película que deja muchos interrogantes abiertos, por ejemplo, no sabemos con certeza si Deckard es humano o no y existen varios finales en las distintas versiones de su huida con Rachel que van desde el "happy ending" al "futuro incierto".

No me extiendo más porque son muchas las páginas dedicadas a su análisis y sólo quería responder a esta pregunta que me hizo un amigo al salir de la proyección. Sin duda, ésta es una de mis películas favoritas.

Y tú ¿cómo lo ves?


lisi. 28-09-08
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P.D.: "Yo he visto cosas que vosotros no creeríais".Me has mostrado de ti más de lo que nadie podría siquiera imaginar, más de lo que yo misma podría nunca imaginarme [y tanto aún por conocer!]. Yo soy tu testigo, mi amor. "Yo te he visto". Y quizá es por eso que me odias tanto como me amas. Mas, no es hora de morir; aunque éste fuera mi testamento preferiría el final de "Casablanca" a el de "Lo que el viento se llevó", decir "Este puede ser el principio de una gran amistad" a escuchar desde la escalera "“Francamente, querida, me importa un bledo”. Y silencio sí, pero nunca "El silencio de los corderos".

viernes, 8 de agosto de 2008

Death in Venice, 1971. Luchino Visconti

Death in Venice (Moments in Love - Art of Noise)
From: cenjor2007

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Mahler. Symphony No.5 - 4th Mov. Adagietto
Björn Andrésen [Tadzio] 
From: MahaKrisna

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Morte a Venezia - La morte del professore sulla spiaggia
From: giancojazz

Morte a Venezia, la storia di un uomo ossessionato dalla bellezza ideale. Da un racconto di Thomas Mann il capolavoro di Luchino Visconti, interpretato magistralmente da Dirk Bogarde e Bjorn Andresen, sulla drammatica musica di Gustav Mahler.